Entrevista a David Schelzel de The Ocean Blue

La banda oriunda de Pennsylvania estará de regreso en nuestro país para presentarse este 4 de junio, en el marco del Kilkfest segunda edición, donde compartirán escenario con bandas como los británicos Kaiser Chiefs, los brasileños Skank y los locales Salamandra, en otra producción de G5pro.

Previo a su segunda presentación en vivo en nuestro país, el vocalista del grupo, David Shelzel, desde Minneapolis brindó una entrevista a la redacción de HEi, donde recordó su show en Asunción en 2013 y habló sobre el momento de la música en estos tiempos muy diferentes a aquellos años, cuando The Ocean Blue comenzaba y gustaba con sus hits: “Between Something and Nothing”, “Drifting FallinG” y “Ballerina Out of Control”, a comienzos de los noventas.

David, ¿qué recuerdos tienes de Asunción?, no solo del show en 2013, sino de la ciudad que recorriste.

Fue magnífico el recibimiento y la energía que había esa noche, no estábamos seguros de que esperar, pero el entusiasmo de la gente nos superó y nos vimos obligados a responder con un gran show.

¿Qué impresión te dejó Asunción?, al día siguiente, en aquel mini tour que hicieron por la cuidad, conociendo “el viejo barrio” (Loma San Jerónimo).

Eso fue genial también, muy inesperado, hicimos un tour con Annabel (Pitaud de G5pro), vimos muchos lindos barrios, probamos rica comida, fuimos a un museo (Museo Arqueológico y Etnográfico Guido Boggiani), vimos gente tocando música en la calle, hicimos unas compras, nos hicieron sentir como en casa y desde esa vez sentimos la necesidad de volver, es de ahí que surgió la idea de hacer esta gira por Sudamérica nuevamente.

Foto: www.laverbena.com.py

¿Se sienten cómodos con la etiqueta de ser la banda americana más británica de todas?

Jajaja bueno, nuestras bandas favoritas son de ahí (UK), la mayoría de las bandas que escuchamos cuando crecíamos eran británicas y nos identifican mucho como banda. Pero la música trasciende fronteras, podes vivir en Asunción, Santiago o Buenos Aires y hay música de todas partes del mundo, yo siendo de EE.UU escuchaba música de Inglaterra en mi juventud y hoy con el impacto de las redes sociales y el streaming, podes escuchar música de todas partes del mundo y elegir tus propias influencias.

¿Cómo fue crecer en los 80s cuando estaban de moda bandas como Poison o Bon Jovi, mientras que ustedes escuchaban a The Cure o Siouxsie and the Banshees?, ¿los miraban como raros?

Si, lo éramos jajaja, los 80s tuvieron sus cosas hermosas y sus cosas horribles, había mala y buena música. A nosotros nos costaba mucho al comienzo conseguir lugares para tocar debido a nuestro estilo que no era de la moda, pero por suerte existían circuitos underground, que eran más contraculturales y que recibían bien nuestro estilo, que no era tener el cabello largo y estridentes guitarra, sino que nos aceptaban por ser diferentes y eso fue bueno..

¿Siguen trabajando en el sello cooperativo Korda Records?

Comenzamos este sello con nuestros amigos, es un espacio para bandas indie, y si, tenemos planeado varios lanzamientos próximamente..

Como abogado especializado en derecho de autor, ¿cómo ves las plataformas de música en stream y cómo Prince, a la hora de su muerte, no tenía disponible su catálogo en varios sitios de música en stream?.

Hay cosas buenas en esos servicios como Spotify o Apple Music, porque da acceso a música a muchas personas que no pueden comprar discos, pero lo malo es que el artista gana muy poco dinero de ello. Cada mes recibimos un pago por parte de Spotify donde vemos que muchísimas personas escucharon nuestra música, pero el dinero que nos pagan es muy poco y eso es difícil.

Si la gente en serio quiere apoyar a sus bandas favoritas no tiene otra que ir a los shows, pagar los tickets o comprar sus discos directamente si es que les gusta demasiado.

Con respecto a Prince, bueno, si pudiéramos tomar un café o una cerveza en Asunción, te contaré muchas historias sobre él, hay muchas, pero si algo diré de él, es que era un gran defensor de los derechos de autor e insistía en que los músicos debían tener el control absoluto de su obra, sus catálogos y admiro la forma en que él vio lo que se venía en este negocio, mucho antes que otros y se mantuvo estricto en sus convicciones. Siempre fue un artista independiente y talentoso hasta el final.

David, por último, en 2013 no pudieron tocar el tema “There is a light that never goes out” de The Smiths, porque el DJ de la fiesta puso a tocar su música antes que arranquen el encore. ¿Me prometés que lo harán esta vez?.

Jajajaja bueno, si es lo que la gente pide, eso lo haremos..

Garbage lanzó nuevo video y Shirley Manson habló con heimusica.com

La banda liderada por Shirley Manson prepara la salida de su nuevo álbum Strange Little Birds para el 10 de junio y su primer adelanto fue el tema “Empty”, que ahora ya cuenta con su video, dirigido por Samuel Bayer, el mismo que dirigió icónicos videos como “American Idiot” de Green Day y “Smell Like Teen Spirit” de Nirvana.

Pero antes, la cantante escocesa dio una entrevista a la redacción de HEi Música, donde habló sobre las influencias de este nuevo disco, que de alguna manera resume los 20 años de la banda y las influencias de cada uno de los integrantes. Según palabras de la propia Manson “este es el mejor álbum que hemos hecho”.

Así también habló del difícil mundo de las cantantes pop que son dominadas por los grandes sellos y por intereses corporativos para mantener una imagen, un estilo y así terminan siendo explotadas en muchos sentidos, siendo el caso de Kesha, el más notorio de los últimos años, pero Shirley fue clara al posicionarse como una figura alternativa, no solo en lo musical, sino en visiones y perspectivas muy diferentes a las divas del pop.

Manson también lamentó que en la industria ya no haya lugar para los “raros” que en los 90s dominaron el mainstream, porque al preguntarle si Garbage hubiera tenido el mismo éxito si lanzaba su primer disco en esta década, su respuesta fue un contundente NO.

Por otra parte, Shirley comentó acerca de la importancia de ser independientes para mantener el control artístico, pero que igual esa no es la única solución, ya que el artista debería de concentrarse más en crear música en lugar de las políticas que rodean al negocio, ya que existen personas que se encargan de hacer eso por uno (abogados, managers, etc), en referencia a la poca justicia que hacen las diversas plataformas de música en stream a los artistas nuevos en cuestiones monetarias.

Shirley también recordó con mucho cariño al Paraguay, ya que se había sorprendido de que tanta gente los conociera aquí. Dijo que están en conversaciones con sus agentes para agendar otra gira sudamericana para presentar este nuevo trabajo lo más pronto posible.

(lo que no recordó, fue que en Asunción fue la única vez que cantó “Tell Me Where it Hurts” a capella, pero me tomó el dato igual):

"Tell Me Where It Hurts" pic.twitter.com/DyQrD2zw

— Orlando Salerno (@orlandosalerno) October 25, 2012

Escuchá la entrevista completa a Shriley Manson de Garbage:

Mogwai y cómo musicalizar desastres nucleares

La banda escocesa lanzará este primero de abril un nuevo proyecto de canciones llamado Atomic, que dan sonido al documental de la BBC: Living in Dread and Promise, que narra los hechos más catastróficos que ocurrieron a lo largo de los años, con artefactos atómicos durante las guerras, como los de Hiroshima y Nagasaki o tristes episodios como los de Chernobyl durante la Guerra Fría.

Un documental muy pesado y muy explícito sobre lo poco que vale la vida humana para muchos, cuando suceden estos acontecimientos bélicos y que tan frágil somos los humanos para poder soportarlos.

El álbum Atomic cuanta con diez temas elaborados como en un laboratorio y para Barry Burns de Mogwai, este trabajo es uno de los más reconfortantes que hicieron, en sus veinte años de existencia.

Para hablar de eso y un poco más, nos comunicamos vía telefónica con Barry, guitarrista de la banda escocesa catalogada como Post Rock.

Después de 20 años de carrera, todavía siguen muy frescos e interesantes para una audiencia joven.

Creo que nos estamos volviendo aburridos jajaja, al pasar el tiempo nos enfocamos mucho en hacer la música que nos gusta hacer, alejados del ruido y que a la gente le sigue gustando me parece bien, pero frescos, no lo se jajaja.

¿La banda vio el documental antes de hacer estas canciones no?

Si y no tanto, en Atomic hay un par de canciones que ya lo teníamos en maquetas y que faltaban terminar, cuando surgió esta propuesta, nos pareció que algunos de esas canciones podrían formar parte de Atomic y proseguimos a trabajar en ello.

Pero las otras canciones fueron creadas en el estudio luego de ver el film.

¿Cómo la banda discute los sentimientos encontrados al ver un documental como éste para ponerse de acuerdo y plasmar esas emociones en la música?.

No se como explicarlo, no se si es una traducción directa de la película, había tomas que probamos si iba acorde con el film y si no funcionaba buscábamos otra cosa que encaje.

No nos sentamos a componer las canciones específicamente pensando en cada parte del film, mas bien vimos que podía usarse y que quedaría mejor a nuestro criterio.

¿Fueron a Hiroshima antes o después de involucrarse en este proyecto?

Fuimos hace un par de años, es muy depresivo y triste, por eso también fue muy significativo para nosotros hacer este film, nos trajo muchos de esos recuerdos y de cómo sufrieron tanta gente.

¿Usaron sintetizadores modulados para este trabajo?

Si, lo usamos, pero no mucho para Atomic, solo para un par de cosas, pero es algo que seguimos usando porque siempre suena fantástico.

Teniendo un estudio de grabación propio, es como tener un integrante más no?

Totalmente, estamos muy cómodos, nos conocemos bien entre nosotros y a nuestros ingenieros, podemos utilizar el estudio a nuestro antojo y experimentar con él.

¿Quién es el Fat Man del último tema del disco?.

Es una de las bombas nucleares que aparecen en el documental, estaban Little Boy y luego Fat Man, así que no va dedicado a nadie jajaja, lo siento.

¿Qué fue lo que más rescataron de su relación con John Peel cuando empezaron?

Su osadía y su apuesta por los sonidos nuevos, el hecho de que se interese en música poco convencional y que los invite a tocar en sus sesiones hizo que nos sintamos muy seguro de lo que hacíamos al comienzo.

El siempre veía algo más en las bandas y nos inducía a explorar más de lo que nosotros mismos creamos que éramos capaces de hacer, hicimos muchas sesiones con él y fue grandioso tenerlo.

¿Hablando de conflictos bélicos del pasado y las guerras, cómo ves el panorama actual?.

Esta muy mal, uno no puede ignorar lo que está pasando, ya sabes, uno mira al Norte y está Donald Trump y con eso uno no se puede imaginar que podría suceder en el futuro, son capaces de todo, pero el futuro es incierto, podría pasar cualquier cosa..

¿Se sintieron siempre cómodos con el rótulo de post rock?.

No lo se, creo que es una corta forma de explicar lo que hacemos cuatro personas que hacen música juntos y creo que de alguna forma sirve para que nos encuentran en las disquerías con esa etiqueta jajaja, pero no lo se..

¿Cuáles son tus bandas favoritas de Escocia?

Uff hay un montón de ellos, están los The Twilight Sad, Teenage Fanclub, ya sabes, todo lo usual..si bien somos un país pequeño, hay muchas bandas geniales.

¿Les gustaría estar en el soundtrack de Trainspotting 2?

Jajajaja me encantaría..

1 de Marzo: Canciones dedicadas a los Héroes

En la fecha se conmemora el Día Nacional de los Héroes en homenaje a la muerte del Mariscal Francisco Solano López a orillas del río Aquidabán, en Cerro Corá.

Este hecho hizo que finalice la cruenta batalla de Paraguay contra La Triple Alianza (Argentina, Brasil y Uruguay) que duró desde 1865 a 1870.

Para esta ocasión, queremos recopilar un par de canciones que hablen sobre los héroes, de esos anónimos, como los que usan capas o así también, esos que podrían serlo, aunque sea por un día.

David Bowie – “Heores”

“Heroes” es el tema que dio título al duodécimo álbum del músico y compositor recientemente fallecido, David Bowie y que fue lanzado en 1977. Uno de los temas que más versiones se han hecho, desde los Walflowers en 1998 hasta el grupo argentino Fricción en 1987.

La canción fue escrita por Bowie junto al productor Brian Eno y el tema habla de una pareja que se besa cerca del Muro de Berlín, que dividía a la ciudad en Este y Oeste en tiempos de la Guerra Fría. Una guerra cuyo símbolo principal era la ciudad de Berlín donde se gestaba una revolución cultural y musical que inspiraría a Bowie, Lou Reed e Iggy Pop, durante la estadía de éstos, en los setentas.

Sonoramente, el tema se destaca por la genialidad de la guitarra de Carlos Alomar, quien luego sería productor del disco Doble Vide de Soda Stereo y que da un filo armonioso sublime que parecen capas cósmicas como fondo del tema.

https://www.youtube.com/watch?v=Tgcc5V9Hu3g

The Libertines – “Time for Heroes”

La canción se desprende el álbum debut homónimo de The Libertines, trabajo producido por ex el guitarrista de The Clash, Mick Jones y lanzado en 2002.

Su cantante Pete Doherty explicó que la canción fue inspirado en los llamados “Wombles”, un movimiento revolucionario que agitó en Inglaterra, durante los Riots del MayDay (1ero de Mayo) del 2000, cuando éstos y varios ciudadanos se manifestaron contra la precariedad laboral a través de una red de grupos anticapitalistas, feministas y de migrantes.

Lo que llamó la atención de Doherty fue la forma en que los Wombles vestían:

www.indymedia.org.uk

Esto sucede en cada primero de mayo en el mismo día en el cual se suele celebrar la solidaridad y la lucha de los trabajadores contra la explotación laboral, que se inició en Chicago, cuando Anarquistas y Comunistas reclamaban las 8 horas laborales en 1914.

Metallica – Hero of the Day

Sin dudas, una de las canciones más significativas de la etapa reformista de Metallica, que dejaba atrás las melenas y los maratónicos solos de guitarra, para cortarse el pelo y optar por un sonido mas compacto, directo y estructurado como un tema pop de poco más de 3 minutos.

Esto hizo que los tilden de vendidos o “caretas”, pero no dejó que dejen de hacer grandes temas como esta.

El track habla de la gente que busca “héroes” en los medios de comunicación sin darse cuenta de que pueden encontrarse con uno en la vida real o ser uno mismo, mientras que el vídeo fue dirigido por Anton Corbijn, conocido por sus oscuros trabajos junto a bandas como Joy Division y Depeche Mode.

Lastimosamente este tema ya está olvidado del repertorio en vivo de esta banda:

Foo Fighters – My Hero

En 1997, la banda liderada por el ex Nirvana estaba en su mejor momento, Dave Grohl con el segundo álbum de los Foo Fighters, The Colour and the Shape, lograba vencer la sombra grunge, para lanzarse como el nuevo héroe de la Generación MTV.

Con el corte My Hero, se especuló que estaría dedicado a su fallecido compañero en Nirvana, Kurt Cobain, mientras que otros creen que habla de aquella selección estadounidense de hockey sobre hielo que ganó la medalla de oro jugando contra la Unión Soviética en los juegos olímpicos de 1980.

Dave Grohl por su parte, explicó que la canción está dedicada a los héroes ordinarios de todos los días, ya que él mismo nunca tuvo héroes musicales o deportivos.

John Lennon – Working Class Hero

Una vez separados los Beatles, en 1970, John Lennon y Yoko Ono se metieron de lleno en su proyecto nuevo llamado Pastic Ono Band, con quienes lanzaron la canción “Working Class Hero”, que años mas tarde tuvo su versión hecha por Green Day.

EL DATO: Esta es la única canción, de toda su carrera, donde Lennon usó la palabra “Fuck”:

“Till you’re so fucking crazy you can’t follow their rules”

De acuerdo a una entrevista que dio Lennon a la revista Rolling Stone en diciembre de ese mismo año, el tema habla sobre “los individuos de clase obrera siendo procesados en las clases medias“.

El estribillo de la canción es “un Héroe de la clase trabajadora es algo para ser” y el verso final de la canción dice: “Si quieres ser un héroe, solo sígueme“.

Wild Nothing: “La guitarra seguirá mientras tenga cabida en el pop mainstream”

Wild Nothing, la banda independiente de Virginia que lo conforma el cantante Jack Tatum en cuerpo y espíritu, el 19 de febrero lanza su tercer LP llamado “Life on Pause”, que antecede a dos trabajos (Gemini, Nocturne) que estuvieron marcados por el sonido de culto del shoegaze y dream pop, géneros que el propio Tatum dice ser muy fanático.

Para esta entrevista, hablamos sobre sus costumbres a la hora de componer un tema, sus visiones particulares por distintos instrumentos y porqué no, de documentales y películas del director Gregg Araki, quien acostumbra usar a bandas británicas del shoegaze de los 90s, para sus diferentes soundtracks.

– En los dos primeros LPs hay una notoria influencia shoegaze y dream pop, escuchando los primeros adelantos de este tercer álbum, se notan ideas diferentes, qué estabas escuchando?.

A medida que me estoy “volviendo viejo” estoy escuchando muchas otras propuestas que antes quizás no las tenía muy en cuenta.

En los últimos años estuve descubriendo mucho a Brian Eno, David Bowie, los trabajos de David Byrne, también estuve viendo catálogos de compositores de los setentas y ahí encontré mucho Soul, R&B y cosas así que resultan un desafío de plasmar en un disco.

– Hay más usos de sintetizadores en este nuevo trabajo, inclusive siendo más melódicos que solo un back up, como en los otros discos.

Y no fue intencional, esa resultó ser la forma más orgánica de guiar las distintas piezas que quería. Compuse muchas de las canciones sin tener mucho eso en cuenta, pero si esta vez tuve más control que antes sobre todos los instrumentos en el estudio y con los sintetizadores me gusta probar distintas cosas.

Pero el sintetizador siempre formó parte de la naturaleza de mis canciones, quizás antes grababa de manera más fluida y en vivo, por lo que quizás no haya sido más trascendental su sonido en los anteriores discos.

– Es cierto que componés los temas tocando el bajo?

Jajajaja no siempre, pero lo hago mucho, lo encuentro muy útil ya que muchas canciones salieron de melodías y boludeces que hacía con el bajo, pero al mismo tiempo el bajo te ayuda a estructurar un tema, te facilita unir muchas ideas.

Lo considero todo un groudnwork (base) para escribir música, aparte amo tocar el bajo, es mi instrumento favorito, lejos.

– En tu primer disco usaste solo una guitarra para todos los temas. Cuántas guitarras usaste ahora?.

Sabes, no cambié tanto para este disco jajaja, habré usado una guitarra para la mayoría de los temas, pasa que cuando vas al estudio tenés acceso a muchas guitarras, pero al final del día solo quieres que una sola guitarra consiga el sonido que tanto quieres.

Para este disco en gran parte solo usé una TriCaster, que no es nada de otro mundo, es más, pienso mucho en esos músicos que se la pasan hablando de diferentes guitarras y exigencias, bla bla bla, cuando en realidad hay modelos que ya son clásicos por una razón y es porque siguen sonando genial.

– Viste el documental “Beautiful Noise” de Eric Green?.

Lo vi, es interesante porque soy fan de ese género, pero desconocía mucho el contexto de su tiempo y como lo tomaba la prensa, ya que estas bandas son muy importantes para mí y siempre quise saber cómo hacían esas cosas geniales y por qué esa interesante ola duró tan poco, pero fue tan influyente en otras bandas a la vez. Me gustó esa dirección que le dio el film.

Yo se que a mi me ha influenciado.

– Sos fan de las películas de Gregg Araki?, cuál es tu soundtrack favorito?.

Me gustó mucho “Nowhere” y me gustó otra que……no soy bueno recordando títulos.

Mysterius Skin? (lo sugerí porque es brutal)

Ese mismo, es otro de mis favoritos.

– Jack, la guitarra seguirá siendo revolucionaria a medida que pasa el tiempo? o las computadoras Mac son el nuevo Hendrix?,

No lo sé, muchos se preguntan cuál es será la siguiente etapa importante de la guitarra en la música, pero si vamos a hablar de la música pop, uno ya asocia a ésta con el mainstream pop, donde cada vez hay menos cabida a la guitarra, pero es interesante porque también conozco muy buenos guitarristas que tocan música pop, pero si estaría bueno que haya más..

Creo que su importancia seguirá mientras siga teniendo lugar en el pop mainstream.

Escuchá “Life on Pause” el primer adelanto del tercer disco de Wild Nothing que lleva el mismo nombre:

La noche en que Hardwell escuchó el ”Himno de San Bernardino”

El pasado fin de semana, Hardwell visitó por segunda ocasión nuestro país, en el marco de su tour mundial I AM Hardwell “United We Are”, que se celebró en el Country Club de la ciudad de San Bernardino, presentado por Miller Genuine Draft.

Recordemos que el holandés es actualmente el DJ número 2 del mundo, según el Top 100 de la DJ Mag.

Ante más de 5 mil espectadores, Hardwell hizo vibrar a su público paraguayo con un completo set de música electrónica, pero antes de eso, brindó una amena conferencia de prensa donde invitó a nuestra compañera Mica Chamorro, a subirse al podio.

Ahí, la conductora de HEi Now le pasó el audio de la canción himno de la ciudad de San Bernardino, hablamos del tema “Cuando calienta el Sol”, de 1981, que forma parte del repertorio clásico de la banda nacional Los Hobbies.

Según Mica, el DJ se mostró muy curioso por conocer la canción y dijo a su vez que le gustó mucho. Ese momento fue capturado por nuestras cámaras, en el preciso instante cuando degustaba de un verdadero clásico veraniego en nuestro país.

Foto: Nicolás Pacheco

En dicha conferencia de prensa, Hardwell dijo también que “está esté feliz con su música porque ayuda a muchos a entretenerse y olvidar los problemas del mundo cotidiano”.